Culture musicale du romantisme : esthétique, thèmes, genres et langage musical

Zweig avait raison : l’Europe n’a pas connu depuis la Renaissance une génération aussi merveilleuse que celle des romantiques. Des images merveilleuses du monde onirique, des sentiments nus et le désir d’une spiritualité sublime – telles sont les couleurs qui peignent la culture musicale du romantisme.

L'émergence du romantisme et de son esthétique

Alors que la révolution industrielle se déroulait en Europe, les espoirs placés dans la Grande Révolution française étaient anéantis dans le cœur des Européens. Le culte de la raison, proclamé par le siècle des Lumières, est renversé. Le culte des sentiments et du principe naturel chez l'homme est monté sur le piédestal.

C'est ainsi qu'est apparu le romantisme. Dans la culture musicale, il a existé pendant un peu plus d'un siècle (1800-1910), tandis que dans des domaines connexes (peinture et littérature), son mandat a expiré un demi-siècle plus tôt. Peut-être que la musique est « à blâmer » pour cela – c’était la musique qui était au sommet parmi les arts parmi les romantiques comme l’art le plus spirituel et le plus libre.

Cependant, les romantiques, contrairement aux représentants des époques de l'Antiquité et du classicisme, n'ont pas construit de hiérarchie des arts avec une division claire en types et en genres. Le système romantique était universel ; les arts pouvaient librement se transformer les uns dans les autres. L'idée d'une synthèse des arts était l'une des idées clés de la culture musicale du romantisme.

Ce rapport concernait aussi les catégories de l'esthétique : le beau se conjuguait avec le laid, le haut avec le vil, le tragique avec le comique. De telles transitions étaient liées par une ironie romantique, qui reflétait également une image universelle du monde.

Tout ce qui concernait la beauté prenait un sens nouveau chez les romantiques. La nature est devenue un objet de culte, l’artiste a été idolâtré comme le plus grand des mortels et les sentiments ont été exaltés au-dessus de la raison.

La réalité sans esprit contrastait avec un rêve, beau mais inaccessible. Le romantique, avec l’aide de son imagination, a construit son nouveau monde, contrairement aux autres réalités.

Quels thèmes les artistes romantiques ont-ils choisis ?

Les intérêts des romantiques se manifestaient clairement dans le choix des thèmes artistiques qu’ils choisissaient.

• Thème de la solitude. Un génie sous-estimé ou une personne seule dans la société – tels étaient les thèmes principaux des compositeurs de cette époque (« L’Amour d’un poète » de Schumann, « Sans le soleil » de Moussorgski).
• Thème de la « confession lyrique ». Dans de nombreux opus de compositeurs romantiques, il y a une touche d'autobiographie (« Carnaval » de Schumann, « Symphonie Fantastique » de Berlioz).
• Thème amoureux. Au fond, c'est le thème de l'amour non partagé ou tragique, mais pas nécessairement (« Amour et vie d'une femme » de Schumann, « Roméo et Juliette » de Tchaïkovski).
• Thème du chemin. Elle est aussi appelée thème des errances. L'âme romantique, déchirée par les contradictions, cherchait sa voie (« Harold en Italie » de Berlioz, « Les années d'errance » de Liszt).
• Thème de la mort. Il s'agissait essentiellement d'une mort spirituelle (la Sixième Symphonie de Tchaïkovski, le Winterreise de Schubert).
• Thème nature. La nature aux yeux d'un romancier et d'une mère protectrice, d'une amie empathique et d'un destin punitif (« Les Hébrides » de Mendelssohn, « En Asie centrale » de Borodine). Le culte de la terre natale (polonaises et ballades de Chopin) est également lié à ce thème.
• Thème fantastique. Le monde imaginaire des romantiques était bien plus riche que le monde réel (« Le Tireur magique » de Weber, « Sadko » de Rimski-Korsakov).

Genres musicaux de l'époque romantique

La culture musicale du romantisme a donné une impulsion au développement des genres de paroles vocales de chambre : (« Le Roi de la Forêt » de Schubert), (« La Jeune Fille du Lac » de Schubert) et, souvent combinées dans (« Les Myrtes » de Schumann ).

se distinguait non seulement par le caractère fantastique de l'intrigue, mais aussi par le lien étroit entre les paroles, la musique et l'action scénique. L'opéra est en train d'être symphonisé. Il suffit de rappeler « L'Anneau du Nibelung » de Wagner avec son réseau développé de leitmotivs.

Parmi les genres instrumentaux, on distingue la romance. Pour transmettre une image ou une ambiance momentanée, une courte pièce de théâtre leur suffit. Malgré son ampleur, la pièce bouillonne d’expression. Cela peut être (comme Mendelssohn), ou jouer avec des titres programmatiques (« The Rush » de Schumann).

Comme les chansons, les pièces de théâtre sont parfois regroupées en cycles (« Papillons » de Schumann). Dans le même temps, les parties du cycle, très contrastées, formaient toujours une seule composition en raison de connexions musicales.

Les romantiques aimaient la musique à programme, qui la combinait avec la littérature, la peinture ou d'autres arts. Par conséquent, l'intrigue dans leurs œuvres contrôlait souvent la forme. Des sonates en un mouvement (la Sonate en si mineur de Liszt), des concertos en un mouvement (le Premier Concerto pour piano de Liszt) et des poèmes symphoniques (les Préludes de Liszt) et une symphonie en cinq mouvements (la Symphonie fantastique de Berlioz) sont apparus.

Le langage musical des compositeurs romantiques

La synthèse des arts, glorifiée par les romantiques, influence les moyens d'expression musicale. La mélodie est devenue plus individuelle, sensible à la poétique du mot, et l'accompagnement a cessé d'être neutre et typique dans sa texture.

L'harmonie s'est enrichie de couleurs inédites pour raconter les expériences du héros romantique. Ainsi, les intonations romantiques de la langueur traduisaient parfaitement des harmonies altérées qui augmentaient la tension. Les romantiques aimaient l'effet du clair-obscur, lorsque le majeur était remplacé par le mineur du même nom, et les accords des pas de côté, et les belles comparaisons de tonalités. De nouveaux effets ont également été découverts dans les modes naturels, en particulier lorsqu'il était nécessaire de transmettre l'esprit folklorique ou des images fantastiques en musique.

En général, la mélodie des romantiques s'efforçait d'assurer la continuité du développement, rejetait toute répétition automatique, évitait la régularité des accents et respirait l'expressivité dans chacun de ses motifs. Et la texture est devenue un maillon si important que son rôle est comparable à celui de la mélodie.

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Au lieu d'une conclusion

La culture musicale du romantisme connaît, au tournant des XIXe et XXe siècles, les premiers signes de crise. La forme musicale « libre » commença à se désintégrer, l'harmonie l'emporta sur la mélodie, les sentiments sublimes de l'âme romantique cédèrent la place à la peur douloureuse et aux passions basses.

Ces tendances destructrices ont mis fin au romantisme et ouvert la voie au modernisme. Mais, ayant fini comme mouvement, le romantisme a continué à vivre à la fois dans la musique du XXe siècle et dans la musique du siècle actuel dans ses diverses composantes. Blok avait raison lorsqu’il disait que le romantisme surgit « à toutes les époques de la vie humaine ».