Leçon 4

L'un des concepts les plus complexes de la théorie musicale est la polyphonie musicale. Cependant, c'est aussi l'une des catégories les plus importantes, sans laquelle il est impossible de comprendre la musique orchestrale, ou de chanter un beau duo d'une mélodie complexe avec un accompagnement musical à part entière, ou même d'enregistrer et de mixer une simple piste, où , en plus du son de la voix, de la guitare, de la basse et de la batterie.

Alors, commençons.

Le plan d'action est clair, alors mettons-nous au travail !

Le concept de polyphonie

Le terme "polyphonie" dérivé du latin polyphonia, où poly signifie « plusieurs » et phonia se traduit par « son ». La polyphonie désigne le principe d'addition de sons (voix et mélodies) sur la base d'une égalité fonctionnelle.

C'est ce qu'on appelle la polyphonie, c'est-à-dire le son simultané de deux ou plusieurs mélodies et/ou voix. La polyphonie implique la fusion harmonique de plusieurs voix et/ou mélodies indépendantes en un seul morceau de musique.

Par ailleurs, la discipline du même nom « Polyphonie » est enseignée dans les établissements d'enseignement musical des facultés et départements d'art du compositeur et de musicologie.

Le terme étranger polyphonie en russe n'a pas subi de transformations significatives, sauf pour l'écriture en cyrillique au lieu du latin. Et, semble-t-il, obéit à la règle "comme on l'entend, comme on l'écrit". La nuance est que ce terme est entendu différemment par chacun, et les accents sont également placés différemment.

Ainsi, dans le "Dictionnaire de la langue slave et russe de l'Église", publié par l'Académie impériale des sciences en 1847, il est prescrit d'accentuer le deuxième "o" dans le mot "polyphonie" et le deuxième "et" dans le mot « polyphonique » [Dictionnaire, V.3, 1847]. Voici à quoi ça ressemble page de cette édition :

Depuis le milieu du XXe siècle et à ce jour, deux variantes d'accent coexistent pacifiquement dans la langue russe : sur le dernier « o » et sur la deuxième lettre « i ». Ainsi, dans la "Grande Encyclopédie soviétique", il est proposé de mettre l'accent sur le dernier "o" [V. Fraenov, 20]. Ici capture d'écran de la page TSB :

Dans le dictionnaire explicatif, édité par le linguiste Sergei Kuznetsov, dans le mot "polyphonie", la deuxième lettre "i" est sous-accentuée [S. Kouznetsov, 2000]. Dans le mot "polyphonique", l'accent est mis sur la lettre "et", comme dans les éditions précédentes :

Notez que Google Traduction prend en charge cette dernière option, et si vous entrez le mot "polyphonie" dans la colonne de traduction et cliquez sur l'icône du haut-parleur, vous entendrez clairement l'accent sur la dernière lettre "et". icône de haut-parleur entouré en rouge sur la photo :

Maintenant que nous avons compris, en général, ce qu'est la polyphonie et comment prononcer correctement ce mot, nous pouvons approfondir le sujet.

Origine et développement de la polyphonie

La polyphonie est un phénomène assez complexe en musique, et elle a ses propres caractéristiques dans différentes cultures. Ainsi, dans les pays de l'Est, la polyphonie avait initialement une base essentiellement instrumentale. En d'autres termes, les instruments de musique à plusieurs cordes, les ensembles à cordes, l'accompagnement à cordes du chant y étaient répandus. Dans les pays occidentaux, la polyphonie était plus souvent vocale. C'était du chant choral, y compris a capella (sans accompagnement musical).

Le développement de la polyphonie au stade initial est généralement appelé le terme "hétérophonie", c'est-à-dire la dissonance. Ainsi, au 7ème siècle, la pratique d'ajouter une, deux ou plusieurs voix au son du choral a été adoptée, c'est-à-dire le chant liturgique.

À l'époque du Moyen Âge et de la Renaissance, le motet s'est répandu - des voix à plusieurs voix. Ce n'était pas un choral plus une superstructure de voix dans sa forme la plus pure. C'était déjà une œuvre vocale plus complexe, bien que les éléments du choral y soient très perceptibles. En général, le motet est devenu une forme musicale hybride qui a absorbé les traditions du chant religieux et profane.

Le chant d'église a également progressé techniquement. Ainsi, au Moyen Âge, la messe dite catholique se généralise. Il était basé sur l'alternance de parties solistes et chorales. En général, les messes et les motets des XVe-XVIe siècles utilisaient assez activement tout l'arsenal de la polyphonie. L'ambiance a été créée en augmentant et en diminuant la densité du son, différentes combinaisons de voix hautes et basses, l'inclusion progressive de voix individuelles ou de groupes de voix.

Une tradition de chant exclusivement laïque s'est également développée. Ainsi, au XVIe siècle, un format de chanson tel qu'un mandrigal gagne en popularité. C'est une œuvre à deux ou trois voix, en règle générale, d'un contenu lyrique d'amour. Les débuts de cette culture de la chanson sont apparus dès le 16ème siècle, mais à cette époque ils n'ont pas connu beaucoup de développement. Les madrigaux des XVIe-XVIIe siècles se caractérisent par une variété de rythmes, la liberté de la voix principale, l'utilisation de la modulation (passage à une autre tonalité à la fin de l'œuvre).

Le terme « richecar » vient du français rechercher, qui signifie « rechercher » (rappelez-vous le célèbre Cherchez la femme ?) et, en rapport avec la musique, peut être interprété de différentes manières. Initialement, le terme signifiait la recherche de l'intonation, plus tard – la recherche et le développement de motifs. Les formes les plus célèbres de richecar sont une pièce pour clavier, une pièce pour ensemble instrumental ou vocal-instrumental.

Le richecar le plus ancien a été retrouvé dans un recueil de pièces publié en 1540 à Venise. Quatre autres pièces pour clavier ont été trouvées dans la collection d'œuvres du compositeur Girolamo Cavazzoni, publiée en 4. La plus célèbre est le richecar à 1543 voix de l'Offrande musicale de Bach, écrite par le grand génie dès le XVIIIe siècle.

Il convient de noter que les styles et la mélodie de la polyphonie vocale étaient déjà à cette époque étroitement liés au texte. Ainsi, pour les textes lyriques, les chants sont caractéristiques et pour les phrases courtes - la récitation. En principe, le développement des traditions polyphoniques peut être réduit à deux tendances polyphoniques.

Tendances polyphoniques du Moyen Âge :

Vous avez appris les frettes dans la leçon précédente, alors vous comprenez maintenant ce qui est en jeu. C'est l'information la plus générale sur le développement des traditions de la polyphonie. Plus de détails sur l'histoire de la formation de la polyphonie dans différentes cultures et tendances polyphoniques peuvent être trouvés dans la littérature pédagogique spéciale sur le cours "Polyphonie" [T. Muller, 1989]. Vous pourrez également y trouver des partitions de musique médiévale et, si cela vous intéresse, apprendre quelques parties vocales et instrumentales. Au fait, si vous ne savez pas encore chanter, mais que vous aimeriez apprendre, vous pouvez faire les premiers pas vers la maîtrise vocale en étudiant notre cours "Développement de la voix et de la parole".

Il est maintenant temps de passer aux techniques de la polyphonie afin de mieux comprendre comment la polyphonie se constitue en une seule mélodie.

Techniques polyphoniques

Dans n'importe quel cours de formation à la polyphonie, vous pouvez trouver un terme tel que le contrepoint. Il vient de la locution latine punctum contra punctum, qui signifie « point contre point ». Ou, par rapport à la musique, « note contre note », « mélodie contre mélodie ».

Cela ne change rien au fait que le terme « contrepoint » a plusieurs significations différentes. Et maintenant regardons quelques techniques de base de la polyphonie.

Imitation

L'imitation se produit lorsqu'une deuxième voix (imitante) rejoint le son monophonique initial après un certain temps, qui répète le passage précédemment émis sur la même note ou une note différente. Schématiquement ça ressemble de la manière suivante:

Précisons que le terme « opposé » utilisé dans le schéma est une voix accompagnant une autre voix dans une mélodie polyphonique. La consonance harmonique est obtenue à l'aide de diverses techniques : rythme supplémentaire, changement de motif mélodique, etc.

Imitation canonique

Canonique, c'est aussi une imitation continue - une technique plus complexe dans laquelle non seulement le passage précédemment prononcé est répété, mais aussi la contre-addition. C'est comme ça ressemble à un schéma :

Le terme "liens", que vous voyez sur le diagramme, fait simplement référence aux parties répétitives de l'imitation canonique. Dans l'illustration ci-dessus, on voit 3 éléments de la voix initiale, qui sont répétés par la voix imitatrice. Il y a donc 3 liens.

Canon final et infini

Le canon fini et le canon infini sont des variétés d'imitation canonique. Le canon infini implique le retour du matériau d'origine à un moment donné. Le canon final ne prévoit pas de tels retours. La figure ci-dessus montre une variante du canon final. Et maintenant voyons à quoi ressemble le canon infini, et comprenez la différence :

Précisons que le canon infini de la 1ère catégorie signifie une imitation à 2 liens, et le canon infini de la 2ème catégorie est une imitation avec le nombre de liens de 3 ou plus.

Séquence simple

Une séquence simple est le mouvement d'un élément polyphonique à une hauteur différente, tandis que le rapport (intervalle) entre les composants de l'élément ne change pas:

Ainsi, sur le schéma, la lettre "A" désigne classiquement la voix initiale, la lettre "B" désigne la voix imitatrice, et les chiffres 1 et 2 désignent le premier et le second déplacement de l'élément polyphonique.

Contrepoint complexe

Le contrepoint complexe est une technique polyphonique qui combine de nombreuses techniques polyphoniques qui vous permettent de générer de nouvelles mélodies à partir de la polyphonie d'origine en modifiant le rapport des voix ou en modifiant les mélodies qui composent la polyphonie d'origine.

Variétés de contrepoint complexe :

Selon le sens de permutation des voix mélodiques, on distingue les contrepoints mobiles verticaux, horizontaux et doubles (simultanément verticaux et horizontaux).

En fait, le contrepoint difficile n'est appelé que "complexe". Si vous travaillez bien le matériel de la prochaine leçon d'entraînement de l'oreille, vous reconnaîtrez facilement cette technique polyphonique à l'oreille.

Ce ne sont là que quelques-unes des techniques polyphoniques les plus simples à comprendre pour un musicien débutant. Vous pouvez en savoir plus sur ces techniques polyphoniques et d'autres dans le manuel du musicologue, membre de l'Union des compositeurs de Russie, membre correspondant de l'Académie des sciences et des arts Petrovsky Valentina Osipova «Polyphonie. Techniques polyphoniques » [V. Osipova, 2006].

Après avoir étudié certaines des techniques de polyphonie, il nous sera plus facile de comprendre la classification des types de polyphonie.

Types de polyphonie

Il existe 4 principaux types de polyphonie. Chacun des types est basé principalement sur un certain type de techniques polyphoniques. Les noms des types de polyphonie parlent d'eux-mêmes dans la plupart des cas.

Quels sont les types de polyphonie ?

Vous pouvez en savoir plus sur chaque type de polyphonie dans le livre "Polyphony. Techniques polyphoniques » [V. Osipova, 2006], nous laissons donc cela à votre discrétion. Nous nous sommes rapprochés d'un sujet aussi important pour chaque musicien et compositeur que le mélange de musique.

Les bases du mixage musical

Le concept de "polyphonie" est directement lié au mixage de musique et à l'obtention d'une piste audio finie. Nous avons appris précédemment que la polyphonie signifie le principe d'addition de sons (voix et mélodies) sur la base d'une égalité fonctionnelle. C'est ce qu'on appelle la polyphonie, c'est-à-dire le son simultané de deux ou plusieurs mélodies et/ou voix. La polyphonie implique la fusion harmonique de plusieurs voix et/ou mélodies indépendantes en un seul morceau de musique.

À proprement parler, mixer de la musique, c'est la même polyphonie, uniquement sur un ordinateur, et non sur une portée musicale. Le mixage implique également l'interaction d'au moins deux lignes musicales - voix et "piste d'accompagnement" ou accompagnement d'un instrument de musique. S'il y a beaucoup d'instruments, le mixage se transforme en une organisation de l'interaction de plusieurs lignes mélodiques, dont chacune peut être soit continue tout au long de l'œuvre, soit apparaître et disparaître périodiquement.

Si vous revenez un peu en arrière et regardez à nouveau la représentation schématique des techniques polyphoniques, vous verrez beaucoup de points communs avec l'interface de la plupart des programmes informatiques conçus pour travailler avec le son. Tout comme la plupart des techniques polyphoniques sont décrites selon le schéma "une voix - une piste", les programmes de traitement du son ont une piste distincte pour chaque ligne mélodique. Voici à quoi pourrait ressembler la version la plus simple du mixage de deux pistes dans SoundForge :

En conséquence, si vous avez besoin de mixer, par exemple, voix, guitare électrique, guitare basse, synthétiseur et batterie, il y aura 5 pistes. Et si vous avez besoin de faire un enregistrement orchestral en studio, il y aura déjà plusieurs dizaines de pistes, une pour chaque instrument.

Le processus de mixage musical ne consiste pas seulement à suivre la notation musicale et l'emplacement exact du début et de la fin des lignes musicales l'une par rapport à l'autre. Bien que ce ne soit pas facile, s'il y a beaucoup de doubles croches, de triples et de soixante-quatrièmes dans l'enregistrement, qui sont plus difficiles à atteindre que les nombres entiers.

Bien entendu, le producteur de son doit entendre et neutraliser les inclusions de sons parasites qui peuvent apparaître même lors d'un enregistrement dans un bon studio, sans parler des enregistrements réalisés à la maison ou, à l'inverse, lors de concerts. Cependant, un enregistrement en direct peut également être de très haute qualité.

Un exemple est l'album live HAARP du groupe de rock britannique Muse. L'enregistrement a été réalisé au stade de Wembley. Puis, à 1 jour de différence, 2 concerts du groupe ont eu lieu : les 16 et 17 juin. Fait intéressant, pour la version audio sur CD, ils ont pris l'enregistrement du 16 juin, et pour la version vidéo sur DVD, ils ont utilisé enregistrement de concerts, tenue le 17 juin 2007 :

Dans tous les cas, un ingénieur du son ou un producteur de son devra travailler dur pour transformer même une polyphonie complexe bien enregistrée en une œuvre finie à part entière. C'est vraiment un processus créatif dans lequel il faut prendre en compte beaucoup de nuances. Mais, comme nous l'avons vu à plusieurs reprises, la musique est décrite par des catégories dénombrables assez spécifiques - hertz, décibels, etc. Et il existe également des critères pour un mixage de haute qualité d'une piste, et des concepts techniques objectifs et artistiques subjectifs y sont utilisés.

Critères pour un enregistrement audio de qualité

Ces critères ont été élaborés par l'Organisation internationale de radiodiffusion télévisuelle et radiophonique (OIRT), qui existait dans la seconde moitié du XXe siècle, et ils sont connus sous le nom de protocole OIRT, et les dispositions du protocole prennent encore de nombreuses structures comme base. pour évaluer la qualité des enregistrements audio. Examinons brièvement les critères auxquels un enregistrement de haute qualité doit répondre conformément à ce protocole.

Aperçu des dispositions du protocole OIRT :

Le respect des critères du Protocole est évalué sur une échelle de 5 points. Le protocole OIRT est le plus suivi dans l'évaluation de la musique classique, folk et jazz. Pour la musique électronique, pop et rock, il n'existe pas de protocole unique pour évaluer la qualité sonore, et les dispositions du protocole OIRT sont plutôt de nature consultative. D'une manière ou d'une autre, afin de réaliser un enregistrement de haute qualité, certaines conditions techniques sont nécessaires. Parlons d'eux plus en détail.

Support technique

Ci-dessus, nous avons déjà commencé à parler du fait que pour un résultat final de haute qualité, un matériel source de haute qualité est important. Ainsi, pour un enregistrement de haute qualité de musique jazz, classique et folklorique, l'enregistrement sur une paire de microphones stéréo est souvent utilisé, ce qui ne nécessite pas de mixage par la suite. En fait, des consoles de mixage analogiques, numériques ou virtuelles (ce sont aussi des mixeurs) sont utilisées pour le mixage. Les séquenceurs sont utilisés pour le mixage virtuel des pistes.

Les exigences techniques pour un ordinateur sont généralement prescrites par les fabricants de programmes informatiques pour travailler avec le son. Par conséquent, vous pouvez vérifier la conformité de votre appareil aux exigences lorsque vous décidez du choix du logiciel. À ce jour, il existe plusieurs programmes populaires pour le traitement audio et le mixage du son.

Sound Forge

Tout d'abord, il est déjà mentionné ci-dessus Sound Forge. C'est pratique car il dispose d'un ensemble de fonctions de traitement du son de base, et vous pouvez trouver une version gratuite en langue russe [MoiProgrammy.net, 2020] :

Si vous avez besoin de comprendre la version anglaise, il y a une description détaillée [B. Kairov, 2018].

Audacity

Deuxièmement, un autre programme pratique et simple en russe Audacity [Audace, 2020] :

En plus de la version gratuite, vous pouvez trouver un manuel très pratique pour cela [Audacity 2.2.2, 2018].

Déshumaniseur 2

Troisièmement, il est apprécié des développeurs de jeux vidéo et de voix extrêmes. Déshumaniseur 2. L'interface est en anglais et est sensiblement plus compliquée, mais vous pouvez le comprendre :

Et ce ne sera pas seulement du mixage, mais aussi des opportunités de sound design [Krotos, 2020].

Cubase Elements

Quatrièmement, il convient de prêter attention au programme Cubase Elements [Cubase Éléments, 2020]. Là, en plus de l'ensemble standard de fonctions, il y a aussi un panneau d'accords qui vous permettra de créer une piste "à partir de zéro" ou de "rappeler" un enregistrement effectué précédemment, en appliquant des techniques polyphoniques précédemment apprises dans la pratique :

Avant de commencer, étudiez l'aperçu des fonctions du programme [A. Olenchikov, 2017].

Effectrice

Et enfin, c'est le séquenceur d'effets Effectrice. Pour travailler avec, vous avez besoin d'expérience, mais cela vaut la peine de prendre note de ce programme maintenant, car avec une pratique régulière, l'expérience viendra très bientôt [Sugar Bytes, 2020] :

Vous pouvez en savoir plus dans l'article « Programmes pour mixer musique et voix », où une dizaine de programmes sont envisagés, dont ceux destinés aux musiciens et DJ professionnels [V. Kairov, 2020]. Et maintenant parlons de la préparation du mixage du morceau.

Préparation du mélange et processus de mélange

Mieux vous serez préparé, plus le mélange sera rapide et meilleur. Il ne s'agit pas seulement d'assistance technique, d'un poste de travail confortable et d'un éclairage de haute qualité. Il est important de prendre en compte plusieurs problèmes d'organisation, ainsi que les caractéristiques du travail des hémisphères cérébraux. De manière générale, notez…

Comment se préparer au processus de mélange:

Commencez le processus de mixage avec des tambours, car ils occupent une partie importante de la gamme de fréquences allant des basses (grosse caisse) aux hautes fréquences (cymbales). Seulement après cela, passez à d'autres instruments et voix. Après avoir mixé les principaux instruments, ajoutez, si prévu, des effets spéciaux (écho, distorsion, modulation, compression, etc.).

Ensuite, vous devez former une image stéréo, c'est-à-dire disposer tous les sons dans le champ stéréo. Après cela, ajustez l'arrangement, si nécessaire, et commencez à travailler sur la profondeur du son. Pour ce faire, ajoutez des délais et de la réverbération aux sons, mais pas trop, sinon cela va « appuyer sur les oreilles » des auditeurs.

Lorsque vous avez terminé, vérifiez à nouveau les paramètres de volume, d'égalisation et d'effets et ajustez-les si nécessaire. Testez le morceau fini en studio, puis sur différents appareils : lancez le fichier audio sur votre smartphone, tablette, écoutez-le dans votre voiture. Si partout le son est perçu normalement, alors tout est fait correctement !

Si vous rencontrez beaucoup de mots inconnus, lisez le livre "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Ne soyez pas gêné par le fait que l'on considère beaucoup l'exemple des anciennes versions de programmes informatiques. Les lois de la physique n'ont pas changé depuis. Ceux qui ont déjà essayé de travailler avec des programmes de mixage sonore peuvent être invités à lire "Erreurs lors du mixage de musique", qui donne en même temps des recommandations sur la façon de les éviter [I. Evsyukov, 2018].

Si vous trouvez qu'il est plus facile de percevoir une explication en direct, vous pouvez voir vidéo de formation sur ce sujet:

Pendant le processus de mélange, il est recommandé de faire de courtes pauses toutes les 45 minutes. Ceci est utile non seulement pour votre santé, mais également pour restaurer l'objectivité de la perception auditive. L'oreille musicale est très importante pour un mixage de qualité. Toute notre prochaine leçon est consacrée au développement de l'oreille pour la musique, mais pour l'instant nous vous proposons de passer un test de maîtrise de la matière de cette leçon.

Test de compréhension de la leçon

Si vous souhaitez tester vos connaissances sur le sujet de cette leçon, vous pouvez passer un court test composé de plusieurs questions. Une seule réponse peut être correcte pour chaque question. Après avoir sélectionné l'une des options, le système passe automatiquement à la question suivante. Les points que vous recevez sont affectés par l'exactitude de vos réponses et le temps passé à réussir. Veuillez noter que les questions sont différentes à chaque fois et que les options sont mélangées.

Et maintenant, nous nous tournons vers le développement de l'oreille musicale.