Alexandre Alexandrovitch Slobodyanik |
Alexandre Slobodyanik
Alexander Alexandrovich Slobodyanik dès son plus jeune âge était au centre de l'attention des spécialistes et du grand public. Aujourd'hui, alors qu'il a de nombreuses années de concert à son actif, on peut dire sans crainte de se tromper qu'il a été et demeure l'un des pianistes les plus populaires de sa génération. Il est spectaculaire sur scène, il a une allure imposante, dans le jeu on sent un grand talent particulier – on le sent tout de suite, dès les premières notes qu'il prend. Et pourtant, la sympathie du public pour lui est due, peut-être, à des raisons d'une nature particulière. Talentueux et, de plus, extérieurement spectaculaire sur la scène du concert, c'est plus que suffisant; Slobodianik en attire d'autres, mais nous en reparlerons plus tard.
- Musique pour piano dans la boutique en ligne Ozon →
Slobodyanyk a commencé sa formation régulière à Lviv. Son père, un célèbre médecin, aimait la musique dès son plus jeune âge, il fut même à une époque le premier violon d'un orchestre symphonique. La mère n'était pas mauvaise au piano et elle a enseigné à son fils les premières leçons de cet instrument. Ensuite, le garçon a été envoyé dans une école de musique, à Lydia Veniaminovna Galembo. Là, il s'est rapidement fait remarquer: à l'âge de quatorze ans, il a joué dans la salle du troisième concerto pour piano et orchestre de Lviv Philharmonic Beethoven, puis s'est produit avec un groupe de claviers solo. Il a été transféré à Moscou, à l'École centrale de musique décennale. Pendant quelque temps, il était dans la classe de Sergei Leonidovich Dizhur, un musicien moscovite bien connu, l'un des élèves de l'école Neuhaus. Puis il a été pris comme étudiant par Heinrich Gustavovich Neuhaus lui-même.
Avec Neuhaus, les cours de Slobodyanik, pourrait-on dire, n'ont pas fonctionné, bien qu'il soit resté près du célèbre professeur pendant environ six ans. "Cela n'a pas fonctionné, bien sûr, uniquement par ma faute", dit le pianiste, "ce que je ne cesse de regretter à ce jour." Le Slobodyannik (pour être honnête) n'a jamais appartenu à ceux qui ont la réputation d'être organisés, recueillis, capables de se maintenir dans le cadre de fer de l'autodiscipline. Il a étudié inégalement dans sa jeunesse, selon son humeur ; ses premiers succès sont venus beaucoup plus d'un riche talent naturel que d'un travail systématique et déterminé. Nehaus n'était pas surpris par son talent. Les jeunes capables autour de lui étaient toujours en abondance. "Plus le talent est grand", a-t-il répété plus d'une fois dans son entourage, "plus l'exigence de responsabilité et d'indépendance précoce est légitime" (Neigauz GG Sur l'art de jouer du piano. – M., 1958. P. 195.). Avec toute son énergie et sa véhémence, il s'est rebellé contre ce que plus tard, revenant par la pensée à Slobodyanik, il a qualifié diplomatiquement "le manquement à diverses obligations". (Neigauz GG Réflexions, souvenirs, journaux intimes. S. 114.).
Slobodyanik lui-même admet honnêtement qu'il convient de noter qu'il est généralement extrêmement direct et sincère dans ses auto-évaluations. «Moi, comment dire plus délicatement, je n'ai pas toujours été correctement préparé pour les cours avec Genrikh Gustavovich. Que puis-je dire maintenant pour ma défense ? Moscou après Lvov m'a captivé avec de nombreuses impressions nouvelles et puissantes… Cela m'a fait tourner la tête avec des attributs brillants et apparemment extraordinairement tentants de la vie métropolitaine. J'étais fasciné par beaucoup de choses – souvent au détriment du travail.
En fin de compte, il a dû se séparer de Nehaus. Néanmoins, le souvenir d'un merveilleux musicien lui est encore cher aujourd'hui : « Il y a des gens qu'on ne peut tout simplement pas oublier. Ils sont toujours avec vous, pour le reste de votre vie. On dit à juste titre : un artiste est vivant tant qu'on se souvient de lui… D'ailleurs, j'ai ressenti l'influence d'Henri Gustavovitch pendant très longtemps, même quand je n'étais plus dans sa classe.
Slobodyanik est diplômé du conservatoire, puis de l'école doctorale, sous la direction d'un étudiant de Neuhaus - Vera Vasilievna Gornostaeva. « Un magnifique musicien », dit-il de son dernier professeur, « subtil, perspicace… Un homme d'une culture spirituelle sophistiquée. Et ce qui était particulièrement important pour moi, c'était une excellente organisatrice : je lui dois autant de volonté et d'énergie que son esprit. Vera Vasilievna m'a aidé à me retrouver dans la performance musicale.
Avec l'aide de Gornostaeva, Slobodyanik a terminé avec succès la saison de compétition. Même plus tôt, au cours de ses études, il a reçu des prix et des diplômes lors de concours à Varsovie, Bruxelles et Prague. En 1966, il fait sa dernière apparition au Troisième Concours Tchaïkovski. Et il a reçu un quatrième prix honorifique. La période de son apprentissage terminée, la vie quotidienne d'un concertiste professionnel a commencé.
… Alors, quelles sont les qualités de Slobodianik qui attirent le public ? Si vous regardez "sa" presse du début des années soixante à nos jours, l'abondance de caractéristiques telles que "richesse émotionnelle", "plénitude des sentiments", "spontanéité de l'expérience artistique", etc. est involontairement frappante. , pas si rare, que l'on retrouve dans de nombreuses revues et critiques musicales. Dans le même temps, il est difficile de condamner les auteurs des documents sur Slobodyanyk. Il serait très difficile d'en choisir un autre, en parlant de lui.
En effet, Slobodyanik au piano, c'est la plénitude et la générosité de l'expérience artistique, la spontanéité de la volonté, une tournure vive et forte des passions. Et pas étonnant. Une émotivité vive dans la transmission de la musique est un signe certain de talent d'interprète; Slobodian, comme on l'a dit, est un talent exceptionnel, la nature l'a entièrement doté, sans relâche.
Et pourtant, je pense qu'il ne s'agit pas seulement d'une musicalité innée. Derrière la haute intensité émotionnelle de la performance de Slobodyanik, la plénitude et la richesse de ses expériences scéniques se cachent la capacité de percevoir le monde dans toute sa richesse et la multicolorité illimitée de ses couleurs. La capacité de réagir avec vivacité et enthousiasme à l'environnement, de faire divers: voir largement, assimiler tout ce qui présente un quelconque intérêt, respirer, comme on dit, le torse plein… Slobodianik est généralement un musicien très spontané. Pas un iota marqué, pas fané au fil des années de son activité scénique assez longue. C'est pourquoi les auditeurs sont attirés par son art.
C'est facile et agréable en compagnie de Slobodyanik – que vous le rencontriez dans la loge après une représentation, ou que vous le regardiez sur scène, au clavier d'un instrument. Une certaine noblesse intérieure se fait intuitivement sentir en lui ; "belle nature créative", ont-ils écrit à propos de Slobodyanik dans l'une des critiques - et avec raison. Il semblerait : est-il possible d'attraper, de reconnaître, de ressentir ces qualités (beauté spirituelle, noblesse) chez une personne qui, assise à un piano de concert, joue un texte musical préalablement appris ? Il s'avère que c'est possible. Peu importe ce que Slobodyanik met dans ses programmes, jusqu'aux plus spectaculaires, gagnants, scéniquement attrayants, en lui en tant qu'interprète, on ne peut même pas remarquer une ombre de narcissisme. Même dans ces moments où vous pouvez vraiment l'admirer : quand il est à son meilleur et que tout ce qu'il fait, comme on dit, tourne et sort. Rien de mesquin, de vaniteux, de vain ne se trouve dans son art. "Avec ses joyeuses données scéniques, il n'y a pas un soupçon de narcissisme artistique", admirent ceux qui connaissent bien Slobodyanik. C'est vrai, pas le moindre indice. D'où cela vient-il en effet : on a déjà dit plus d'une fois que l'artiste « continue » toujours une personne, qu'il le veuille ou non, qu'il le sache ou qu'il ne le sache pas.
Il a une sorte de style enjoué, il semble s'être fixé une règle : peu importe ce que l'on fait au clavier, tout se fait lentement. Le répertoire de Slobodyanik comprend un certain nombre de pièces brillantes et virtuoses (Liszt, Rachmaninoff, Prokofiev…) ; on a du mal à se rappeler qu'il a pressé, « chassé » au moins l'un d'entre eux – comme cela arrive, et souvent, avec bravoure au piano. Ce n'est pas un hasard si les critiques lui ont reproché parfois un rythme un peu lent, jamais trop élevé. C'est probablement ainsi qu'un artiste doit se présenter sur scène, je pense à certains moments, en le regardant : ne pas s'emporter, ne pas s'emporter, du moins en ce qui relève d'un comportement purement extérieur. En toutes circonstances, soyez calme, avec une dignité intérieure. Même dans les moments les plus chauds de l'interprétation - on ne sait jamais combien d'entre eux sont dans la musique romantique que Slobodyanik a longtemps préférée - ne tombez pas dans l'exaltation, l'excitation, l'agitation... Comme tous les interprètes extraordinaires, Slobodyanik a une caractéristique, une seule caractéristique Catégorie Jeux; la manière la plus juste, peut-être, serait de désigner ce style par le terme Grave (lentement, majestueusement, significativement). C'est ainsi, un peu lourdement sonore, dessinant des reliefs texturés de façon large et convexe, que Slobodyanik joue la Sonate en fa mineur de Brahms, le Cinquième Concerto de Beethoven, le Premier de Tchaïkovski, les Tableaux d'une exposition de Moussorgski, les sonates de Myaskovsky. Seuls ont été appelés les meilleurs numéros de son répertoire.
Une fois, en 1966, lors du Troisième Concours de presse Tchaïkovski, parlant avec enthousiasme de son interprétation du concerto en ré mineur de Rachmaninov, elle écrivit : « Slobodianik joue véritablement en russe ». "L'intonation slave" est vraiment clairement visible en lui - dans sa nature, son apparence, sa vision du monde artistique, son jeu. Il ne lui est généralement pas difficile de s'ouvrir, de s'exprimer de manière exhaustive dans les œuvres de ses compatriotes – en particulier dans celles inspirées par des images d'une ampleur illimitée et d'espaces ouverts… Une fois, un des collègues de Slobodyanik a remarqué : « Il y a des œuvres lumineuses, orageuses, tempéraments explosifs. Voici le tempérament, plutôt, de la portée et de l'ampleur. Le constat est juste. C'est pourquoi les œuvres de Tchaïkovski et de Rachmaninov sont si bonnes chez le pianiste, et beaucoup chez feu Prokofiev. C'est pourquoi (circonstance remarquable !) il est accueilli avec tant d'attention à l'étranger. Pour les étrangers, il est intéressant en tant que phénomène typiquement russe dans la performance musicale, en tant que personnage national juteux et coloré dans l'art. Il a été chaleureusement applaudi plus d'une fois dans les pays de l'Ancien Monde, et nombre de ses tournées à l'étranger ont également été couronnées de succès.
Une fois dans une conversation, Slobodyanik a évoqué le fait que pour lui, en tant qu'interprète, les œuvres de grandes formes sont préférables. « Dans le genre monumental, je me sens en quelque sorte plus à l'aise. Peut-être plus calme qu'en miniature. Peut-être qu'ici l'instinct artistique d'auto-préservation se fait sentir - il y en a de tels... Si je "trébuche" quelque part, "perds" quelque chose en train de jouer, alors l'œuvre - je veux dire une grande œuvre qui est très répandue dans le espace sonore - mais il ne sera pas complètement ruiné. Il sera encore temps de le sauver, de se réhabiliter pour une erreur accidentelle, de bien faire autre chose. Si vous ruinez une figurine en un seul endroit, vous la détruisez entièrement.
Il sait qu'à tout moment, il peut "perdre" quelque chose sur scène - cela lui est arrivé plus d'une fois, déjà dès son plus jeune âge. « Avant, j'avais encore pire. Or la pratique scénique accumulée au fil des années, la connaissance de son métier aident… » Et vraiment, lequel des participants au concert n'a pas dû s'égarer pendant le jeu, oublier, se mettre dans des situations critiques ? Slobodyaniku, probablement plus souvent que beaucoup de musiciens de sa génération. Cela lui est aussi arrivé : comme si une sorte de nuage se trouvait inopinément sur son interprétation, il devenait soudain inerte, statique, démagnétisé intérieurement… Et aujourd'hui, même lorsqu'un pianiste est dans la fleur de l'âge, armé d'une expérience variée, cela arrive. que des fragments de musique vifs et vivement colorés alternent lors de ses soirées avec d'autres ennuyeux et inexpressifs. Comme s'il se désintéressait un moment de ce qui se passait, plongeant dans une transe inattendue et inexplicable. Et puis tout à coup, il s'embrase à nouveau, s'emballe, mène le public avec confiance.
Il y avait un tel épisode dans la biographie de Slobodyanik. Il a joué à Moscou une composition complexe et rarement jouée de Reger – Variations et Fugue sur un thème de Bach. Au début c'est sorti du pianiste c'est pas très intéressant. Il était évident qu'il n'avait pas réussi. Frustré par l'échec, il a terminé la soirée en répétant les variations de bis de Reger. Et répété (sans exagération) somptueusement – lumineux, inspirant, chaud. Clavirabend semblait s'être scindé en deux parties qui ne se ressemblaient pas beaucoup - c'était tout Slobodyanik.
Y a-t-il un inconvénient maintenant ? Peut-être. Qui dira : un artiste moderne, un professionnel au sens haut du terme, est obligé de gérer son inspiration. Doit pouvoir l'appeler à volonté, être au moins stable dans votre créativité. Seulement, en toute franchise, a-t-il toujours été possible pour chacun des spectateurs, même les plus connus, de pouvoir le faire ? Et n'étaient-ils pas malgré tout des artistes « instables » qui ne se distinguaient nullement par leur constance créative, comme V. Sofronitsky ou M. Polyakin, qui faisaient la décoration et la fierté de la scène professionnelle ?
Il y a des maîtres (au théâtre, dans la salle de concert) qui savent agir avec la précision d'automates impeccablement réglés – honneur et louange à eux, qualité digne de l'attitude la plus respectueuse. Il y en a d'autres. Les fluctuations du bien-être créatif leur sont naturelles, comme le jeu du clair-obscur un après-midi d'été, comme le flux et le reflux de la mer, comme la respiration d'un organisme vivant. Le magnifique connaisseur et psychologue de l'interprétation musicale, GG Neuhaus (il avait déjà eu son mot à dire sur les aléas de la fortune scénique – succès et échecs éclatants) ne voyait, par exemple, rien de répréhensible dans le fait que tel concertiste soit incapable à « produire des produits standard avec une précision d'usine – leurs apparitions publiques » (Neigauz GG Réflexions, souvenirs, journaux intimes. S. 177.).
La liste ci-dessus énumère les auteurs auxquels sont associées la plupart des réalisations interprétatives de Slobodyanik – Tchaïkovski, Rachmaninov, Prokofiev, Beethoven, Brahms… Vous pouvez compléter cette série avec les noms de compositeurs tels que Liszt (dans le répertoire de Slobodyanik, la Sonate en si mineur, la Sixième Rhapsodie, Campanella, Valse de Méphisto et autres pièces de Liszt), Schubert (Sonate en si bémol majeur), Schumann (Carnaval, Études symphoniques), Ravel (Concerto pour la main gauche), Bartok (Sonate pour piano, 1926), Stravinsky (« Persil ”).
Slobodianik est moins convaincant dans Chopin, bien qu'il aime beaucoup cet auteur, se réfère souvent à son œuvre – les affiches du pianiste présentent les préludes, études, scherzos, ballades de Chopin. En règle générale, le 1988e siècle les contourne. Scarlatti, Haydn, Mozart – ces noms sont assez rares dans les programmes de ses concerts. (Certes, au cours de la saison XNUMX, Slobodyanik a joué publiquement le concerto de Mozart en si bémol majeur, qu'il avait appris peu de temps auparavant. Mais cela, en général, n'a pas marqué de changements fondamentaux dans sa stratégie de répertoire, n'a pas fait de lui un pianiste «classique» ). Probablement, le point ici est dans certaines caractéristiques et propriétés psychologiques qui étaient à l'origine inhérentes à sa nature artistique. Mais dans certains traits caractéristiques de son «appareil pianistique» – aussi.
Il a des mains puissantes qui peuvent écraser n'importe quelle difficulté d'exécution : technique d'accords confiante et solide, octaves spectaculaires, etc. Autrement dit, la virtuosité close-up. Le soi-disant «petit équipement» de Slobodyanik semble plus modeste. On sent qu'elle manque parfois de subtilité ajourée dans le dessin, de légèreté et de grâce, de ciselure calligraphique dans les détails. Il est possible que la nature en soit en partie responsable – la structure même des mains de Slobodyanik, leur « constitution » pianistique. Il est possible, cependant, qu'il soit lui-même à blâmer. Ou plutôt, ce que GG Neuhaus appelait en son temps le non-respect de diverses sortes de « devoirs » éducatifs : quelques lacunes et omissions de la première jeunesse. Cela n'a jamais été sans conséquence pour personne.
Slobodyanik a vu beaucoup de choses au cours des années où il était sur scène. Face à de nombreux problèmes, pensé à eux. Il s'inquiète du grand public, comme il le croit, d'un certain déclin de l'intérêt pour la vie de concert. « Il me semble que nos auditeurs éprouvent une certaine déception des soirées philharmoniques. Ne laissez pas tous les auditeurs, mais, en tout cas, une partie considérable. Ou peut-être que le genre concert lui-même est « fatigué » ? Je ne l'exclus pas non plus."
Il ne cesse de penser à ce qui peut attirer le public à la Philharmonie aujourd'hui. Interprète de grande classe? Indubitablement. Mais il existe d'autres circonstances, estime Slobodyanik, qui n'interfèrent pas avec la prise en compte. Par exemple. A notre époque dynamique, les programmes longs et à long terme sont difficilement perçus. Il était une fois, il y a 50-60 ans, des concertistes qui donnaient des soirées en trois sections ; maintenant, cela ressemblerait à un anachronisme – très probablement, les auditeurs partiraient simplement de la troisième partie… Slobodyanik est convaincu que les programmes de concerts de nos jours devraient être plus compacts. Pas de longueurs ! Dans la seconde moitié des années quatre-vingt, il fait des clavirabends sans entracte, en une partie. « Pour le public d'aujourd'hui, écouter de la musique pendant dix à une heure et quinze minutes est plus que suffisant. L'entracte, à mon avis, n'est pas toujours nécessaire. Parfois, cela ne fait qu'amortir, distraire… »
Il réfléchit également à d'autres aspects de ce problème. Le fait que le moment soit venu, apparemment, de faire quelques changements dans la forme même, la structure, l'organisation des concerts. Il est très fructueux, selon Alexandre Alexandrovitch, d'introduire des numéros d'ensemble de chambre dans les programmes solistes traditionnels – en tant que composants. Par exemple, les pianistes devraient s'unir aux violonistes, violoncellistes, chanteurs, etc. En principe, cela anime les soirées philharmoniques, les rend plus contrastées dans la forme, plus diversifiées dans le contenu, et donc attrayantes pour les auditeurs. C'est peut-être pour cette raison que la musique d'ensemble l'attire de plus en plus ces dernières années. (Un phénomène, soit dit en passant, généralement caractéristique de nombreux interprètes à l'époque de la maturité créative.) En 1984 et 1988, il se produit souvent avec Liana Isakadze ; ils ont interprété des œuvres pour violon et piano de Beethoven, Ravel, Stravinsky, Schnittke…
Chaque artiste a des performances plus ou moins ordinaires, comme on dit, passagères, et il y a des concerts-événements dont le souvenir est longtemps conservé. Si parler de tel Parmi les interprétations de Slobodyanik dans la seconde moitié des années quatre-vingt, on ne peut manquer de mentionner son interprétation conjointe du Concerto pour violon, piano et orchestre à cordes de Mendelssohn (1986, accompagné par l'Orchestre de chambre d'État de l'URSS), du Concerto pour violon, piano et cordes de Chausson Quatuor (1985) avec l'année V. Tretiakov, avec V. Tretiakov et le Quatuor Borodine), le concerto pour piano de Schnittke (1986 et 1988, accompagné par l'Orchestre de chambre d'État).
Et je voudrais mentionner un autre aspect de son activité. Au fil des années, il joue de plus en plus et volontiers dans des établissements d'enseignement musical – écoles de musique, écoles de musique, conservatoires. « Là, au moins tu sais qu'ils vont t'écouter très attentivement, avec intérêt, en connaissance de cause. Et ils comprendront ce que vous, en tant qu'interprète, vouliez dire. Je pense que c'est la chose la plus importante pour un artiste : être compris. Laissons quelques remarques critiques venir plus tard. Même si vous n'aimez pas quelque chose. Mais tout ce qui réussit, que vous réussissez, ne passera pas non plus inaperçu.
Le pire pour un concertiste, c'est l'indifférence. Et dans les établissements d'enseignement spéciaux, en règle générale, il n'y a pas de personnes indifférentes et indifférentes.
À mon avis, jouer dans des écoles de musique et des écoles de musique est quelque chose de plus difficile et responsable que de jouer dans de nombreuses salles philharmoniques. Et personnellement j'aime bien. De plus, l'artiste est valorisé ici, on le traite avec respect, on ne le force pas à vivre ces moments humiliants qui lui reviennent parfois dans les relations avec l'administration de la société philharmonique.
Comme tout artiste, Slobodyanik a gagné quelque chose au fil des ans, mais a en même temps perdu autre chose. Cependant, son heureuse capacité à "s'enflammer spontanément" lors des représentations était toujours préservée. Je me souviens qu'une fois nous avons parlé avec lui de divers sujets; nous avons parlé des moments d'ombre et des vicissitudes de la vie d'un artiste invité ; Je lui ai demandé : est-il possible, en principe, de bien jouer, si tout autour de l'artiste le pousse à jouer, mal : à la fois la salle (si vous pouvez appeler salles ces salles qui sont absolument inadaptées aux concerts, dans lesquelles vous avez parfois à jouer), et le public (si des rassemblements aléatoires et extrêmement peu nombreux de personnes peuvent être pris pour un véritable public philharmonique), et un instrument cassé, etc., etc. , pour ainsi dire, les « conditions insalubres » jouent plutôt bien. Oui, oui, tu peux, crois-moi. Mais - si seulement pouvoir profiter de la musique. Que cette passion ne vienne pas immédiatement, que 20 à 30 minutes soient consacrées à s'adapter à la situation. Mais alors, quand la musique vous capture vraiment, quand être allumé, – tout autour devient indifférent, sans importance. Et puis tu peux très bien jouer… »
Eh bien, c'est la propriété d'un véritable artiste - de s'immerger tellement dans la musique qu'il cesse de remarquer absolument tout ce qui l'entoure. Et Slobodianik, comme ils l'ont dit, n'a pas perdu cette capacité.
Sûrement, à l'avenir, de nouvelles joies et joies de rencontrer le public l'attendent – il y aura des applaudissements et d'autres attributs de succès qui lui sont bien connus. Seulement, il est peu probable que ce soit l'essentiel pour lui aujourd'hui. Marina Tsvetaeva a un jour exprimé une idée très correcte selon laquelle lorsqu'un artiste entre dans la seconde moitié de sa vie créative, cela devient déjà important pour lui pas le succès, mais le temps...
G.Tsypine, 1990
