Analyse d'un morceau de musique par spécialité

Dans cet article, nous parlerons de la façon de se préparer à un cours de spécialité dans une école de musique et de ce que l'enseignant attend d'un élève lorsqu'il lui confie l'analyse d'un morceau de musique comme devoir.

Alors, que signifie démonter un morceau de musique ? Cela signifie commencer à le jouer sereinement selon les notes sans hésitation. Pour ce faire, bien sûr, il ne suffit pas de parcourir la pièce une seule fois, en lisant à vue, vous devrez travailler sur quelque chose. Où tout commence-t-il ?

Étape 1. Connaissance préliminaire

Tout d’abord, nous devons nous familiariser avec la composition que nous nous apprêtons à jouer de manière générale. Habituellement, les étudiants comptent d'abord les pages – c'est drôle, mais d'un autre côté, c'est une approche commerciale du travail. Donc, si vous avez l'habitude de compter les pages, comptez-les, mais la première connaissance ne se limite pas à cela.

Pendant que vous feuilletez les notes, vous pouvez également vérifier s'il y a des répétitions dans le morceau (les graphismes musicaux sont similaires à ceux du tout début). En règle générale, il y a des répétitions dans la plupart des pièces, même si cela n'est pas toujours immédiatement perceptible. Si nous savons qu'il y a une répétition dans une pièce, alors notre vie devient plus facile et notre humeur s'améliore sensiblement. C'est bien sûr une blague ! Il faut toujours être de bonne humeur !

Étape 2. Déterminez l'ambiance, l'image et le genre

Ensuite, vous devez accorder une attention particulière au titre et au nom de l’auteur. Et vous n'avez pas besoin de rire maintenant ! Malheureusement, trop de jeunes musiciens sont stupéfaits lorsqu’on leur demande de nommer ce qu’ils jouent. Non, on dit que c'est une étude, une sonate ou une pièce de théâtre. Mais les sonates, études et pièces de théâtre sont écrites par certains compositeurs, et ces sonates, études avec pièces de théâtre ont parfois des titres.

Et le titre nous dit, en tant que musiciens, quel genre de musique se cache derrière la partition. Par exemple, par le nom, nous pouvons déterminer l'ambiance principale, son thème et son contenu figuratif et artistique. Par exemple, par les titres « Pluie d'automne » et « Fleurs dans le pré », nous comprenons qu'il s'agit d'œuvres sur la nature. Mais si la pièce s'appelle « Le Cavalier » ou « La Fille des Neiges », alors il y a clairement ici une sorte de portrait musical.

Parfois, le titre contient souvent une indication sur un genre musical. Vous pouvez en savoir plus sur les genres dans l'article « Principaux genres musicaux », mais répondez maintenant : une marche de soldat et une valse lyrique ne sont pas la même musique, n'est-ce pas ?

La marche et la valse ne sont que des exemples de genres (d'ailleurs, la sonate et l'étude sont aussi des genres) avec leurs propres caractéristiques. Vous avez probablement une bonne idée de la différence entre la musique de marche et la musique de valse. Ainsi, sans même jouer une seule note, simplement en lisant correctement le titre, vous pouvez déjà dire quelque chose sur le morceau que vous vous apprêtez à jouer.

Afin de déterminer plus précisément la nature d'un morceau de musique et son ambiance, et de ressentir certaines caractéristiques du genre, il est recommandé de retrouver un enregistrement de cette musique et de l'écouter avec ou sans notes en main. En même temps, vous apprendrez comment doit sonner un morceau donné.

Étape 3. Analyse élémentaire du texte musical

Tout est simple ici. Voici trois choses fondamentales que vous devriez toujours faire : regarder les clés ; déterminer la tonalité par des signes clés ; regardez le tempo et les signatures rythmiques.

C'est juste qu'il y a de tels amateurs, même parmi les professionnels expérimentés, qui à la fois lisent à vue et gribouillent tout, mais ne voient que les notes elles-mêmes, sans prêter attention ni aux touches ni aux signes… Et puis ils se demandent pourquoi ils n'ont pas Ce ne sont pas de belles mélodies qui sortent de vos doigts, mais une sorte de cacophonie continue. Ne fais pas ça, d'accord ?

À propos, d'une part, votre propre connaissance du solfège et votre expérience en solfège peuvent vous aider à déterminer la tonalité par des signes clés et, d'autre part, des aide-mémoire aussi utiles que le cercle des quarto-quintes ou un thermomètre de tonalité. Allons-nous en.

Étape 4. Nous jouons le morceau à vue du mieux que nous pouvons

Je le répète : jouez du mieux que vous pouvez, depuis la partition, directement avec les deux mains (si vous êtes pianiste). L’essentiel est d’arriver au bout sans rien manquer. Qu'il y ait des erreurs, des pauses, des répétitions et autres contretemps, votre objectif est de jouer bêtement toutes les notes.

C'est un rituel tellement magique ! L'affaire sera certainement couronnée de succès, mais le succès ne commencera qu'après avoir joué toute la pièce du début à la fin, même si cela s'avère moche. Ce n'est pas grave, la deuxième fois sera meilleure !

Il faut perdre du début à la fin, mais il ne faut pas s'arrêter là, comme le font la plupart des étudiants. Ces « étudiants » pensent qu'ils viennent de voir la pièce et que c'est tout, ils ont en quelque sorte compris. Rien de tel ! Même si la lecture d’un seul patient est utile, vous devez comprendre que c’est là que commence le travail principal.

Étape 5. Déterminez le type de texture et apprenez la pièce par lots

La texture est une manière de présenter une œuvre. Cette question est purement technique. Lorsque nous touchons l'œuvre avec nos mains, il nous apparaît clairement qu'il existe telles ou telles difficultés liées à la texture.

Types courants de texture : polyphonique (la polyphonie est terriblement difficile, vous devrez non seulement jouer avec des mains séparées, mais aussi apprendre chaque voix séparément) ; accords (les accords doivent aussi être appris, surtout s'ils vont à un rythme rapide) ; des passages (par exemple, dans l'étude il y a des gammes rapides ou des arpèges – nous regardons également chaque passage séparément) ; mélodie + accompagnement (il va de soi, on apprend la mélodie séparément, et on regarde aussi l'accompagnement, quel qu'il soit, séparément).

Ne négligez jamais de jouer avec des mains individuelles. Jouer séparément avec votre main droite et séparément avec votre main gauche (encore une fois, si vous êtes pianiste) est très important. Ce n'est que lorsque nous travaillons sur les détails que nous obtenons un bon résultat.

Étape 6. Doigtés et exercices techniques

Ce dont une analyse normale et « moyenne » d’un morceau de musique dans une spécialité ne peut jamais se passer, c’est l’analyse des doigtés. Bravo tout de suite (ne cédez pas à la tentation). Un doigté correct vous aide à apprendre le texte par cœur plus rapidement et à jouer avec moins d'arrêts.

Nous déterminons les bons doigts pour tous les endroits difficiles – en particulier là où il y a des progressions de type gammes et arpèges. Ici, il est important de simplement comprendre le principe – comment un passage donné est structuré (par les sons de quelle gamme ou par les sons de quel accord – par exemple, par les sons d’une triade). Ensuite, tout le passage doit être divisé en segments (chaque segment – ​​avant de bouger le premier doigt, si nous parlons du piano) et apprendre à voir ces segments-positions sur le clavier. D’ailleurs, le texte est plus facile à retenir de cette façon !

Oui, qu'en est-il des pianistes ? Et les autres musiciens doivent faire quelque chose de similaire. Par exemple, les cuivres utilisent souvent la technique de simulation de jeu dans leurs cours : ils apprennent le doigté, appuient sur les bons pistons au bon moment, mais ne soufflent pas d'air dans l'embouchure de leur instrument. Cela aide grandement à faire face aux difficultés techniques. Néanmoins, un jeu rapide et propre doit être pratiqué.

Étape 7. Travaillez le rythme

Eh bien, il est impossible de jouer un morceau avec un mauvais rythme – le professeur jurera toujours que, que cela vous plaise ou non, vous devrez apprendre à jouer correctement. Nous pouvons vous conseiller les suivants : les classiques – jouer avec le décompte à voix haute (comme en CP – ça aide toujours) ; jouer avec un métronome (fixez-vous une grille rythmique et ne vous en écartez pas) ; choisissez vous-même une petite impulsion rythmique (par exemple, des croches – ta-ta, ou des doubles croches – ta-ta-ta-ta) et jouez le morceau entier avec le sentiment de la façon dont cette pulsation l'imprègne, comment elle remplit tout le des billets dont la durée est supérieure à cette unité choisie ; jouer en mettant l'accent sur le rythme fort ; jouer, en étirant un peu, comme un élastique, le dernier temps ; ne soyez pas paresseux pour calculer toutes sortes de triolets, rythmes pointés et syncopes.

Étape 8. Travaillez la mélodie et le phrasé

La mélodie doit être jouée de manière expressive. Si la mélodie vous semble étrange (dans les œuvres de certains compositeurs du XXe siècle), ce n'est pas grave, vous devriez l'aimer et en faire des bonbons. Elle est belle – juste inhabituelle.

Il est important que vous jouiez la mélodie non pas comme un ensemble de sons, mais comme une mélodie, c'est-à-dire comme une séquence de phrases significatives. Regardez s'il y a des lignes de phrasé dans le texte – à partir d'elles, nous pouvons souvent détecter le début et la fin d'une phrase, même si si votre audition est bonne, vous pouvez facilement les identifier avec votre propre audition.

Il y aurait encore beaucoup à dire ici, mais vous savez très bien que les phrases musicales sont comme les gens qui parlent. Question et réponse, question et répétition d'une question, question sans réponse, histoire d'une personne, exhortations et justifications, un bref « non » et un long « oui » – tout cela se retrouve dans de nombreuses œuvres musicales ( s'ils ont une mélodie). Votre tâche est de démêler ce que le compositeur a mis dans le texte musical de son œuvre.

Étape 9. Assemblage de la pièce

Il y avait trop d’étapes et trop de tâches. En fait, et vous le savez bien sûr, il n’y a pas de limite à l’amélioration… Mais à un moment donné, il faudra y mettre un terme. Si vous avez travaillé au moins un peu sur la pièce avant de la présenter en classe, c'est une bonne chose.

La tâche principale de l'analyse d'un morceau de musique est d'apprendre à le jouer d'affilée. Votre dernière étape consiste donc toujours à assembler le morceau et à le jouer du début à la fin.

C'est pourquoi! Nous jouons la pièce entière du début à la fin plusieurs fois encore ! Avez-vous remarqué que jouer est désormais nettement plus facile ? Cela signifie que votre objectif a été atteint. Vous pouvez l'emmener en classe !

Étape 10. Voltige

Il existe deux options de voltige pour cette tâche : la première consiste à apprendre le texte par cœur (il n'est pas nécessaire de penser que ce n'est pas réel, car il est réel) – et la seconde consiste à déterminer la forme de l'œuvre. La forme est la structure d'une œuvre. Nous avons un article séparé consacré aux principales formes – « Les formes les plus courantes d’œuvres musicales ».

Il est particulièrement utile de travailler la forme si vous jouez une sonate. Pourquoi? Parce que dans la forme sonate, il y a une partie principale et une partie secondaire – deux sphères figuratives dans une seule œuvre. Il faut apprendre à les retrouver, déterminer leurs débuts et leurs fins, et corréler la conduite de chacun d'eux dans l'exposition et dans la reprise.

Il est également toujours utile de diviser le développement ou la partie médiane d’une pièce en plusieurs parties. Disons qu'il peut être composé de deux ou trois sections, construites selon des principes différents – dans l'une il peut y avoir une nouvelle mélodie, dans l'autre – le développement de mélodies déjà entendues, dans la troisième – il peut être entièrement constitué de gammes et d'arpèges, etc.

Nous avons donc envisagé un problème tel que l'analyse d'un morceau de musique du point de vue de l'interprétation. Pour plus de commodité, nous avons imaginé l'ensemble du processus comme 10 étapes vers l'objectif. Le prochain article abordera également le thème de l’analyse des œuvres musicales, mais d’une manière différente – en préparation d’un cours de littérature musicale.