Boris Yoffe |
Boris Yoffe
L'œuvre du compositeur, violoniste, chef d'orchestre et professeur Boris Yoffe mérite, bien sûr, l'attention particulière des admirateurs de la musique académique, elle appartient aux meilleurs exemples de la pensée du compositeur moderne. Le succès de Joffe en tant que compositeur peut être jugé par qui interprète et enregistre sa musique. Voici une liste incomplète d'interprètes bien connus de la musique de Yoffe : Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann et bien d'autres. Manfred Aicher a sorti sur son label ECM le CD Song of Songs de Boris Yoffe interprété par le Hilliard Ensemble et le Rosamunde Quartet. Wolfgang Rihm a à plusieurs reprises fait l'éloge du travail de Joffe et a écrit une partie du texte du livret du disque Song of Songs. En juillet de cette année, la maison d'édition Wolke a publié en allemand un livre d'articles et un essai de Boris Joffe "Musical Meaning" ("Musikalischer Sinn").
Il semble que Joffe puisse être considéré comme un compositeur assez réussi, on pourrait penser que sa musique est souvent entendue et connue de beaucoup. Jetons un coup d'œil à l'état réel des choses. La musique de Yoffe joue-t-elle beaucoup dans les festivals de musique contemporaine ? Non, ça ne sonne pas du tout. Pourquoi, je vais essayer de répondre ci-dessous. À quelle fréquence passe-t-il à la radio ? Oui, parfois en Europe – notamment « Cantique des cantiques » – mais il n'y avait presque pas d'émissions entièrement consacrées à l'œuvre de Boris Yoffe (à l'exception d'Israël). Y a-t-il beaucoup de concerts ? Ils se produisent et se déroulent dans différents pays – en Allemagne, en Suisse, en France, en Autriche, aux États-Unis, en Israël, en Russie – grâce à ces musiciens qui ont pu apprécier la musique de Yoffe. Cependant, ces musiciens eux-mêmes devaient agir en tant que "producteurs".
La musique de Boris Yoffe n'est pas encore très connue et, peut-être, seulement en voie de gloire (il suffit d'espérer et de dire « peut-être », car il y a eu de nombreux exemples dans l'histoire où même le meilleur de son temps n'a pas été apprécié par les contemporains). Les musiciens qui apprécient passionnément la musique et la personnalité de Joffe - en particulier la violoniste Patricia Kopatchinskaya, le pianiste Konstantin Lifshitz et le guitariste Augustin Wiedenman - revendiquent sa musique avec leur art dans les concerts et les enregistrements, mais ce n'est qu'une goutte dans l'océan de milliers de concerts.
Je voudrais essayer de répondre à la question pourquoi la musique de Boris Yoffe est particulièrement rarement entendue dans les festivals de musique contemporaine.
Le problème est que le travail de Yoffe ne s'inscrit dans aucun cadre et aucune direction. Ici, il faut parler tout de suite de l'œuvre principale et de la découverte créative de Boris Yoffe - son «Livre des quatuors». Depuis le milieu des années 90, il écrit quotidiennement à partir d'un morceau de quatuor qui tient sur une feuille de musique sans indication de tempo, dynamique ou agogique. Le genre de ces pièces peut être défini comme « poème ». Comme un poème, chaque morceau doit être lu (en d'autres termes, le musicien doit déterminer le tempo, l'agogique et la dynamique de la musique), et pas seulement joué. Je ne connais rien de tel dans la musique moderne (l'aléatoire ne compte pas), mais dans la musique ancienne c'est tout le temps (dans l'Art de la fugue de Bach, il n'y a même pas de symboles pour les instruments, sans parler du tempo et de la dynamique) . De plus, il est difficile de « pousser » la musique de Yoffe dans un cadre stylistique univoque. Certains critiques écrivent sur les traditions de Reger et Schoenberg (écrivain et librettiste anglais Paul Griffiths), ce qui, bien sûr, semble très étrange ! – d'autres rappellent Cage et Feldman – ce dernier est surtout perceptible dans la critique américaine (Stephen Smolyar), qui voit quelque chose de proche et de personnel en Yoff. L'un des critiques a écrit ce qui suit : "Cette musique est à la fois tonale et atonale" - de telles sensations inhabituelles et non standard sont ressenties par les auditeurs. Cette musique est aussi éloignée de la « nouvelle simplicité » et de la « pauvreté » de Pärt et Silvestrov que de Lachenman ou de Fernyhow. Il en va de même pour le minimalisme. Néanmoins, dans la musique de Joffe, on peut voir sa simplicité, sa nouveauté, et même une sorte de « minimalisme ». Ayant entendu cette musique une fois, elle ne peut plus être confondue avec une autre ; il est aussi unique que la personnalité, la voix et le visage d'une personne.
Qu'est-ce qu'il n'y a pas dans la musique de Boris Yoffe ? Il n'y a pas de politique, il n'y a pas de « problèmes d'actualité », il n'y a rien de journal et d'éphémère. Il n'y a pas de bruits et de triades abondantes. Une telle musique dicte son format et sa pensée. Je le répète : un musicien qui joue la musique de Joffe doit savoir lire les notes, pas les jouer, car une telle musique demande de la complicité. Mais l'auditeur doit aussi participer. Il s'avère un tel paradoxe : il semble que la musique n'est pas forcée et ne respire pas avec des notes normales, mais vous devez écouter la musique particulièrement attentivement et ne pas être distrait - au moins pendant un quatuor d'une minute. Ce n'est pas si difficile : vous n'avez pas besoin d'être un grand expert, vous n'avez pas besoin de réfléchir à une technique ou à un concept. Pour comprendre et aimer la musique de Boris Yoffe, il faut pouvoir écouter directement et avec sensibilité la musique et partir d'elle.
Quelqu'un a comparé la musique de Joffe à l'eau, et un autre au pain, à ce qui est d'abord nécessaire à la vie. Maintenant il y a tant d'excès, tant de gourmandises, mais pourquoi as-tu soif, pourquoi te sens-tu Saint-Exupéry dans le désert ? Le « Livre des quatuors », qui contient des milliers de « poèmes », n'est pas seulement le centre de l'œuvre de Boris Yoffe, mais aussi la source de plusieurs de ses autres œuvres – orchestrales, de chambre et vocales.
Deux opéras se distinguent également : « L'histoire du rabbin et de son fils » d'après le rabbin Nachman en yiddish (le célèbre poète et traducteur Anri Volokhonsky a participé à l'écriture du livret) et « Esther Racine » d'après le texte original du grand dramaturge. Les deux opéras pour ensemble de chambre. Le «Rabbi», qui n'a jamais été joué (à l'exception de l'introduction), combine des instruments modernes et anciens - dans des accords différents. Esther a été écrite pour quatre solistes et un petit ensemble baroque. Il a été organisé à Bâle en 2006 et doit être mentionné séparément.
"Esther Racina" est un hommage (hommage) à Rameau, mais en même temps l'opéra n'est pas une stylisation et est écrit à sa manière reconnaissable. Il semble que rien de tel ne se soit produit depuis l'Oedipus Rex de Stravinsky, auquel Esther peut être comparée. Comme l'opéra-oratorio de Stravinsky, Esther ne se limite pas à une époque musicale, ce n'est pas un pastiche impersonnel. Dans les deux cas, les auteurs, leur esthétique et leur idée de la musique sont parfaitement reconnaissables. Cependant, c'est là que les différences commencent. L'opéra de Stravinsky tient généralement peu compte de la musique de non-Stravinsky; ce qui y est plus intéressant, c'est ce qui relève de son harmonie et de son rythme que la compréhension du genre de la tradition baroque. Au contraire, Stravinsky utilise des clichés, des «fossiles» de genres et de formes de telle manière qu'ils peuvent être brisés et construits à partir de ces fragments (comme Picasso l'a fait en peinture). Boris Yoffe ne casse rien, car pour lui ces genres et formes de musique baroque ne sont pas des fossiles, et en écoutant sa musique, on peut aussi être convaincu que la tradition musicale est vivante. Cela ne vous rappelle-t-il pas… le miracle de la résurrection des morts ? Seulement, comme vous pouvez le voir, le concept (et plus encore le sentiment) d'un miracle est en dehors de la sphère de la vie de l'homme moderne. Le miracle capturé dans les notes d'Horowitz se révèle maintenant être de la vulgarité, et les miracles de Chagall sont des barbouillages naïfs. Et malgré tout : Schubert vit dans les écrits d'Horowitz, et la lumière inonde l'église Saint-Étienne à travers les vitraux de Chagall. L'esprit juif et la musique européenne existent malgré tout dans l'art de Joffe. «Esther» est complètement dépourvue de tout effet de caractère extérieur ou de beauté «brillante». Comme les vers de Racine, la musique est austère et gracieuse, mais dans cette austérité gracieuse, la liberté est donnée à une gamme d'expressions et de personnages. Les courbes de la partie vocale d'Esther ne peuvent appartenir qu'à la belle impératrice, ses épaules tendres et magnifiques… Comme Mandelstam : « … Tout le monde chante des épouses bénies aux épaules raides… » En même temps, dans ces courbes on entend la douleur, le tremblement, tous les puissance de la douceur, de la foi et de l'amour, de la tromperie, de l'arrogance et de la haine. Probablement pas dans la vie, mais au moins dans l'art, nous le verrons et l'entendrons. Et ce n'est pas une tromperie, ce n'est pas une évasion de la réalité : la douceur, la foi, l'amour – c'est ce qui est humain, le meilleur qui est contenu en nous, les gens. Quiconque aime l'art ne veut y voir que le plus précieux et le plus pur, et il y a de toute façon assez de saleté et de journaux dans le monde. Et peu importe que cette chose précieuse s'appelle la douceur, ou la force, ou peut-être les deux à la fois. Boris Yoffe, avec son art, a directement exprimé son idée de la beauté dans le monologue d'Esther du 3ème acte. Ce n'est pas un hasard si l'esthétique matérielle et musicale du monologue provient du « Livre des Quatuors », l'œuvre principale du compositeur, où il ne fait que ce qu'il estime nécessaire pour lui-même.
Boris Yoffe est né le 21 décembre 1968 à Leningrad dans une famille d'ingénieurs. L'art occupait une place importante dans la vie de la famille Yoffe, et le petit Boris a pu rejoindre assez tôt la littérature et la musique (grâce aux enregistrements). À l'âge de 9 ans, il commence à jouer du violon lui-même, fréquentant une école de musique, à l'âge de 11 ans, il compose son premier quatuor, d'une durée de 40 minutes, dont la musique surprend les auditeurs par sa signification. Après la 8e année, Boris Yoffe est entré à l'école de musique dans la classe de violon (péd. Zaitsev). À peu près à la même époque, une rencontre importante pour Joffe a lieu : il commence à suivre des cours particuliers de théorie auprès d'Adam Stratievsky. Stratievsky a amené le jeune musicien à un nouveau niveau de compréhension de la musique et lui a enseigné de nombreuses choses pratiques. Joffe lui-même était prêt pour cette rencontre grâce à sa musicalité colossale (une oreille sensible absolue, de la mémoire et, surtout, un amour inextinguible pour la musique, penser avec la musique).
Puis ce fut le service dans l'armée soviétique et l'émigration vers Israël en 1990. A Tel-Aviv, Boris Yoffe entre à l'Académie de musique. Rubin et poursuit ses études avec A. Stratievsky. En 1995, les premières pièces du Livre des Quatuors sont écrites. Leur esthétique a été définie dans une courte pièce pour trio à cordes, écrite alors qu'ils étaient encore dans l'armée. Quelques années plus tard, le premier disque avec quatuors est enregistré. En 1997, Boris Joffe s'installe à Karlsruhe avec sa femme et sa première fille. Là, il a étudié avec Wolfgang Rihm, deux opéras y ont été écrits et quatre autres disques ont été publiés. Joffe vit et travaille à Karlsruhe à ce jour.
