Andrey Iakovlevitch Eshpay |

Andreï Eshpay

Une seule harmonie – un monde en mutation… La voix de chaque nation devrait résonner dans la polyphonie de la planète, et cela est possible si un artiste – écrivain, peintre, compositeur – exprime ses pensées et ses sentiments dans sa langue figurative natale. Plus un artiste est national, plus il est individuel. A. Espay

À bien des égards, la biographie de l'artiste elle-même a prédéterminé une touche respectueuse à l'original dans l'art. Le père du compositeur, Y. Eshpay, l'un des fondateurs de la musique professionnelle Mari, a inculqué à son fils l'amour de l'art populaire grâce à son travail désintéressé. Selon A. Eshpay, « Père était significatif, profond, intelligent et plein de tact, très modeste – un vrai musicien capable d'abnégation. Grand connaisseur du folklore, il semblait s'effacer en tant qu'auteur, voyant son devoir de transmettre aux gens la beauté et la grandeur de la pensée populaire. Il s'est rendu compte qu'il était impossible d'adapter la gamme pentatonique Mari… à tout autre système harmonieux et indépendant, mais étranger à l'art populaire. Je peux toujours reconnaître l'original de l'œuvre de mon père.

A. Eshpay a absorbé dès son enfance le folklore de différents peuples de la région de la Volga, tout le système lyrique-épique de la dure région ougrienne. La guerre est devenue un thème tragique particulier dans la vie et l'œuvre du compositeur – il a perdu son frère aîné, dont la mémoire est dédiée à la belle chanson « Moscovites » (« Boucle d'oreille avec Malaya Bronna »), amis. Dans le peloton de reconnaissance, Eshpay a participé à la libération de Varsovie, à l'opération de Berlin. Les cours de musique interrompus par la guerre reprennent au Conservatoire de Moscou, où Eshpay étudie la composition avec N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev et le piano avec V. Sofronitsky. Il a terminé ses études de troisième cycle sous la direction de A. Khatchatourian en 1956.

A cette époque, les danses symphoniques sur des thèmes mari (1951), les mélodies hongroises pour violon et orchestre (1952), le premier concerto pour piano (1954, 2e édition - 1987), le premier concerto pour violon (1956) ont été créés. Ces œuvres ont apporté une grande renommée au compositeur, ouvert les thèmes principaux de son travail, réfracté de manière créative les préceptes de ses professeurs. Il est caractéristique que Khatchatourian, qui lui a inculqué, selon le compositeur, le « goût de l'échelle », ait largement influencé les idées d'Eshpai sur le genre du concert.

Le premier concerto pour violon est particulièrement révélateur avec son explosivité capricieuse, sa fraîcheur, son immédiateté dans l'expression des sentiments, son appel ouvert au vocabulaire folklorique et de genre. Eshpay est également proche de Khatchatourian avec son amour pour le style de M. Ravel, qui s'est particulièrement prononcé dans son travail pour piano (Premier Concerto pour piano, Première Sonatine pour piano – 1948). Harmonie, fraîcheur, contagion émotionnelle et générosité coloristique unissent également ces maîtres.

Le thème de Myaskovsky occupe une place particulière dans l'œuvre d'Eshpay. Les positions éthiques, l'image même d'un musicien soviétique exceptionnel, véritable gardien et réformateur de la tradition, se sont révélées être un idéal pour son disciple. Le compositeur reste fidèle au précepte de Miaskovsky : « être sincère, ardent envers l'art et mener sa propre ligne ». Les œuvres commémoratives à la mémoire de Myaskovsky sont associées au nom du professeur: Organ Passacaglia (1950), Variations for Orchestra on a Theme of Myaskovsky's Sixteenth Symphony (1966), Second Violin Concerto (1977), Viola Concerto (1987-88), dans lequel le matériel de l'orgue Passacaglia a été utilisé. L'influence de Myaskovsky sur l'attitude d'Eshpay à l'égard du folklore était très importante: à la suite de son professeur, le compositeur en est venu à une interprétation symbolique des chansons folkloriques, à la convergence de différentes couches traditionnelles de la culture. Le nom de Myaskovsky est également associé à un appel à une autre tradition la plus importante pour Eshpay, qui se répète dans de nombreuses compositions, à commencer par le ballet "Circle" ("Remember!" - 1979), - le chant Znamenny. Tout d'abord, dans la Quatrième (1980), la Cinquième (1986), la Sixième Symphonie « liturgique » (1988), le Concerto choral (1988), il personnifie d'abord le principe harmonieux et éclairé de l'ethos, les propriétés originelles de la conscience de soi nationale, les principes fondamentaux de la culture russe.Une signification particulière acquiert un autre thème important dans l'œuvre d'Eshpay - lyrique.Enracinée dans le traditionnel, elle ne se transforme jamais en arbitraire individualiste, ses qualités inaliénables sont soulignées par la retenue et la rigueur, l'objectivité dans l'expression, et souvent un lien direct avec les intonations civiques.

La solution du thème militaire, les genres du mémorial, l'appel aux événements tournants - que ce soit la guerre, les dates historiques mémorables - est particulier, et les paroles sont toujours présentes dans leur compréhension. Des œuvres telles que la première (1959), la deuxième (1962) symphonies, empreintes de lumière (l'épigraphe de la première – les paroles de V. Mayakovsky «Nous devons arracher la joie des jours à venir», l'épigraphe de la seconde – «Louange à la lumière »), la cantate « Lénine avec nous » (1968), qui se distingue par son caractère accrocheur en forme d'affiche, sa luminosité rhétorique dans l'expression et en même temps le paysage lyrique le plus fin, a jeté les bases d'une fusion stylistique originale de oratoire et lyrique, objectif et personnel, significatif pour les œuvres majeures du compositeur. L'unité de «larmes et gloire, pitié et louange» (D. Likhachev), si importante pour la culture russe ancienne, se poursuit dans différents genres. La Troisième Symphonie (In Memory of My Father, 1964), le Deuxième Concerto pour violon et alto, une sorte de grand cycle – les Quatrième, Cinquième et Sixième Symphonies, le Concerto choral sont particulièrement remarquables. Au fil des ans, le sens du thème lyrique acquiert des connotations symboliques et philosophiques, de plus en plus purifiant de tout ce qui est extérieur, subjectif-superficiel, le mémorial se revêt de la forme d'une parabole. Il est significatif de faire passer le thème lyrique du conte-folklore et de la narration romantique-héroïque du ballet Angara (1975) à l'imagerie généralisée du ballet d'avertissement Circle (Remember!). La portée universelle des œuvres-dédicaces empreintes d'une signification tragique, parfois lugubre, devient de plus en plus évidente. La perception accrue de la nature conflictuelle du monde moderne et la sensibilité de la réaction artistique à cette qualité sont conformes à la responsabilité du compositeur envers le patrimoine et la culture. La quintessence de l'imagerie est "Songs of the Mountain and Meadow Mari" (1983). Cette composition, ainsi que le Concerto pour hautbois et orchestre (1982), a reçu le prix Lénine.

L'intonation objectif-lyrique et le son « choral » colorent l'interprétation du genre de concert, qui incarne le principe individuel. Exprimé sous diverses formes – un mémorial, une action méditative, dans la recréation du folklore, dans un appel à un modèle repensé d'un vieux concerto grosso, ce thème est constamment défendu par le compositeur. Parallèlement, dans le genre concertant, comme dans d'autres compositions, le compositeur développe des motifs ludiques, la fête, la théâtralité, la légèreté de la couleur et l'énergie courageuse du rythme. Cela est particulièrement visible dans le Concerto pour orchestre (1966), Second Piano (1972), Oboe (1982) Concertos, et le Concerto pour saxophone (1985-86) peut être qualifié de « portrait de l'improvisation ». « Une harmonie – un monde qui change » – ces mots du ballet « Circle » pourraient servir d'épigraphe à l'œuvre du maître. Le transfert d'un harmonieux, festif dans un monde conflictuel et compliqué est propre au compositeur.

Parallèlement à l'incarnation du thème des traditions, Eshpay se tourne invariablement vers le nouveau et l'inconnu. La combinaison organique du traditionnel et de l'innovant est inhérente à la fois aux points de vue sur le processus de composition et à l'œuvre du compositeur lui-même. L'étendue et la liberté dans la compréhension des tâches créatives se reflètent dans l'approche même du matériel de genre. On sait que le thème et le vocabulaire du jazz occupent une place particulière dans l'œuvre du compositeur. Le jazz est pour lui en quelque sorte le gardien de la musique elle-même, ainsi que du folklore. Le compositeur a accordé beaucoup d'attention au chant de masse et à ses problèmes, musique légère, art cinématographique, important en termes de potentiel dramatique et expressif, source d'idées indépendantes. Le monde de la musique et la réalité vivante apparaissent dans une relation organique : selon le compositeur, « le monde merveilleux de la musique n'est pas fermé, pas isolé, mais n'est qu'une partie de l'univers, dont le nom est la vie ».

M. Lobanova